In Waves : le dernier roman de Kathryn Stockett adapté en un poignant film d’animation

Le film d’animation In Waves : une adaptation poignante et contemporaine au cinéma

Le titre intrigue, parce qu’il place côte à côte une promesse romanesque et un geste de cinéma d’animation. In Waves, porté à l’écran par Phuong Mai Nguyen, arrive comme une œuvre qui assume pleinement l’émotion sans la fabriquer artificiellement. Le film suit AJ, adolescent réservé à Los Angeles, dont l’existence bascule le jour où il rencontre Kristen, une jeune fille solaire dont la passion pour le surf déborde sur tout le reste. Il aime le skateboard, le dessin, et cette façon de regarder le monde en biais ; elle avance face aux vagues comme on avance face à la vie, avec une énergie presque contagieuse. Très vite, le récit fait sentir que la mer n’est pas un décor : c’est un langage commun, un lieu où les silences se traduisent en mouvements.

Ce long-métrage, produit dans un cadre franco-belge et distribué en France au début de l’été, choisit une trajectoire narrative lisible mais jamais paresseuse. Les premiers émois se déploient dans des scènes quotidiennes, légères, parfois drôles, où la complicité s’installe par petites touches. Puis la maladie survient, et avec elle une autre temporalité : celle des rendez-vous, des attentes, des corps qui se fatiguent. Le film évite toutefois le piège du pathos continu. Il préfère la tension entre deux élans : la joie de vivre et la conscience du temps qui se raccourcit. Ce choix donne au spectateur une place active : ressentir, oui, mais surtout observer comment un couple et un groupe d’amis réorganisent leur monde autour de l’essentiel.

La mise en scène animée renforce cette approche. Les scènes de surf, en particulier, deviennent des respirations. Elles ne servent pas seulement à “faire beau” : elles traduisent un état intérieur. Quand Kristen entre dans l’eau, le film laisse entendre un principe simple, presque pédagogique : l’équilibre n’est pas une posture, c’est une négociation permanente. Dans la salle, l’effet est immédiat : on comprend pourquoi la mer peut devenir un refuge, mais aussi un miroir. Qui n’a jamais cherché un endroit pour déposer sa peur et revenir un peu plus solide ? 🌊

Pour donner de l’épaisseur au propos, le film fait exister un fil conducteur discret : un carnet de croquis, un geste de dessin qui revient comme un battement. Promettre de “faire vivre” quelqu’un dans des images, est-ce une façon de nier la perte, ou une manière de la traverser ? Ici, la création n’est pas présentée comme un miracle, mais comme un travail. Elle nécessite de l’honnêteté, de la patience, et une acceptation progressive de l’inacceptable. C’est précisément ce qui rend In Waves juste : il rappelle que l’art ne guérit pas tout, mais qu’il peut parfois donner une forme respirable à ce qui étouffe.

Ce premier angle ouvre naturellement vers la question suivante : comment une œuvre autobiographique, déjà forte sur la page, se transforme-t-elle quand elle devient animation, voix, rythme et couleur ?

In Waves de Phuong Mai Nguyen : de la bande dessinée d’AJ Dungo au langage de l’animation

À l’origine, In Waves est un roman graphique signé AJ Dungo, né d’un deuil et d’une promesse : conserver la présence de l’être aimé par le dessin. L’album, paru à la fin des années 2010, a touché un large public parce qu’il rendait palpable une expérience universelle sans jamais la généraliser. L’adaptation cinématographique ne se contente pas de “suivre l’histoire” : elle réinterprète la matière intime de la BD avec un autre outil, le mouvement. Or, l’animation a un pouvoir unique : elle peut rendre visibles des sensations impossibles à filmer directement, comme une mémoire qui se déforme, une joie qui éclate en couleur, ou une peur qui blanchit l’espace.

Phuong Mai Nguyen, passée par des projets d’animation reconnus, s’appuie sur une conviction forte : même dans un récit marqué par le deuil, la priorité peut être donnée à la vie. Cela se traduit par un montage qui ménage des éclats de quotidien, des instants d’amitié, des rires de bande, des soirées qui finissent tard, et ces petites décisions sans importance qui deviennent des souvenirs précieux. Une scène typique illustre cette philosophie : AJ hésite à montrer un dessin à Kristen ; elle le lui prend, le regarde sans juger, puis le lui rend comme on rend une force. Rien d’héroïque, mais un basculement intime. ✨

La direction artistique revendique un héritage pictural, notamment dans le traitement des couleurs et des aplats. On pense à David Hockney pour la façon de styliser l’eau et la lumière, avec des bleus qui ne cherchent pas le réalisme mais la sensation. Les séquences de surf deviennent alors des “tableaux animés” qui respirent, où la vague est moins un obstacle qu’un partenaire. Cette stylisation a une conséquence narrative : elle permet de glisser d’un souvenir à un autre sans césure brutale. Un plan peut commencer dans une chambre d’hôpital et se prolonger, par une simple variation chromatique, vers un après-midi sur l’océan. Le passage ne “triche” pas : il épouse la logique de la mémoire.

Un autre choix décisif réside dans le travail sonore et vocal. Avec des interprètes francophones connus du public, le film construit un duo crédible, ni trop démonstratif ni trop distant. La voix ne sert pas à expliquer ce que l’image dit déjà ; elle apporte un contrepoint, parfois une pudeur. Et quand les mots deviennent insuffisants, le son de la mer, le frottement d’un crayon, ou le silence d’un couloir prennent le relais. Dans ce dispositif, l’émotion surgit souvent là où on ne l’attend pas : dans une respiration, un rire interrompu, une hésitation.

Pour ancrer ces choix, voici des repères concrets sur ce que l’animation apporte à l’histoire, au-delà de la simple fidélité au matériau d’origine :

• 🎨 Couleur comme état intérieur : la palette se réchauffe dans les moments de partage, se raréfie quand la fatigue s’installe.
• 🌊 Mouvement comme langage : la glisse sur l’eau exprime l’accord du couple, mais aussi la fragilité de cet accord.
• ✍️ Trait comme mémoire : le dessin “dans” le film rappelle que l’histoire est aussi une reconstruction.
• 🎧 Son comme émotion : silences, rumeurs de l’océan et textures sonores remplacent parfois le dialogue.
• 🧩 Ellipses maîtrisées : l’animation facilite les sauts temporels sans perdre le spectateur.

En filigrane, le film pose une question essentielle : qu’est-ce qu’une adaptation réussie, sinon une œuvre qui conserve l’âme tout en changeant de corps ? Cette interrogation mène directement vers un autre enjeu, plus large : la place d’In Waves dans le cinéma d’animation de ces dernières années, et la manière dont le film a été présenté comme un événement culturel.

Cette réception critique et festivalière, marquée par des projections très commentées, éclaire aussi la façon dont l’animation s’empare désormais de sujets adultes. 🎬

In Waves au Festival de Cannes et en salles : un film d’animation adulte qui marque les esprits

Si In Waves a autant circulé dans les conversations cinéphiles, c’est qu’il s’est présenté comme un film à la fois accessible et audacieux. Son passage par un grand rendez-vous festivalier a joué le rôle d’accélérateur : une projection d’ouverture, un public attentif, et cette sensation que l’animation peut accueillir des récits intimes sans s’excuser. Dans un paysage où l’animation est encore parfois réduite, à tort, à un segment familial, l’œuvre de Phuong Mai Nguyen rappelle qu’un film animé peut être romanesque, social et profondément adulte.

La question n’est pas seulement “est-ce triste ?” mais “comment c’est raconté ?”. Le film insiste sur l’amitié, la solidarité, les micro-gestes qui évitent de sombrer. Dans une scène plausible de la seconde partie, le groupe d’amis organise une sortie improvisée près de la côte : l’objectif n’est pas d’oublier, mais de recharger la capacité d’être présent. Le récit montre alors une réalité souvent tue : accompagner une personne malade demande une logistique émotionnelle. On apprend quand parler, quand se taire, quand plaisanter, quand simplement tenir la main. ❤️

La sortie en salles, au cœur de l’été, peut surprendre pour un film traversé par le deuil. Pourtant, ce choix est cohérent : In Waves parle de soleil, d’océan, de corps en mouvement, et cette vitalité contrebalance l’épreuve. Beaucoup de spectateurs y trouveront une expérience paradoxale : pleurer, puis sortir avec une énergie accrue. Le film ne vend pas une consolation facile ; il propose une lucidité qui, elle, réconforte.

Pour éclairer concrètement le positionnement du film (sans enfermer l’œuvre dans des cases), un tableau synthétise quelques éléments de lecture utiles :

Cette visibilité publique s’inscrit aussi dans un mouvement plus large : en Europe, l’animation d’auteur continue de gagner en reconnaissance, et les studios indépendants assument des sujets sensibles. Le film s’insère ainsi dans une période où les spectateurs réclament des récits “vrais”, capables de tenir ensemble la beauté et l’injustice du réel. Finalement, In Waves s’impose moins comme une démonstration que comme une évidence : oui, l’animation peut raconter la vie, jusque dans ce qu’elle a de plus fragile.

Reste un nœud particulièrement intéressant : le titre qui circule associe Kathryn Stockett à cette adaptation, alors que le film vient d’un roman graphique américain. Ce frottement ouvre la porte à une réflexion sur les récits féminins en lutte et la manière dont l’édition et le cinéma fabriquent des échos entre œuvres.

Ce dialogue entre adaptation, mémoire et héroïnes mène naturellement vers un autre terrain : la littérature de Kathryn Stockett, et la façon dont elle construit des personnages qui résistent aux normes d’une époque. 📚

Kathryn Stockett et “Le Calamity Club” : héroïnes en lutte, échos inattendus avec In Waves

L’association d’idées entre In Waves et Kathryn Stockett peut sembler déroutante au premier regard, mais elle révèle un point commun passionnant : la manière dont certaines histoires placent des personnages, souvent sous-estimés, face à un monde qui les voudrait silencieux. Avec Le Calamity Club, Stockett revient au Mississippi, mais change d’époque : cap sur la Grande Dépression, avec sa dureté sociale, ses hiérarchies, et ses injonctions morales. Là où un film d’animation comme In Waves explore l’intime d’un couple frappé par la maladie, le roman de Stockett met en scène une lutte plus frontale contre les préjugés : puritanisme, sexisme, racisme. Les terrains diffèrent, mais la dynamique émotionnelle se répond : comment tenir debout quand l’environnement répète que tout est perdu ?

Le roman s’appuie sur une narration alternée qui donne de la vitesse au récit. Birdie, promise au statut humiliant de “vieille fille” dans une société qui valorise surtout le mariage, se retrouve à chercher de l’aide auprès de sa sœur, richement installée, pour éviter la ruine familiale. Sur sa route surgit Meg, une enfant d’une dizaine d’années, orpheline, maltraitée par une directrice sans pitié. Le duo fonctionne parce qu’il est asymétrique : l’une a l’âge d’être “responsable”, l’autre a l’âge d’être “protégée”, mais chacune apporte à l’autre une stratégie de survie. Cette mécanique narrative a une vertu : elle évite le cliché de la sauveuse toute-puissante. Birdie est cabossée, parfois maladroite, souvent drôle malgré elle ; Meg n’est pas un symbole, c’est une présence qui oblige les adultes à se révéler.

Ce qui rapproche ce roman de l’esprit d’In Waves, c’est la place accordée à la résilience sans angélisme. Dans le film, la résilience passe par l’amitié, le surf, la création ; chez Stockett, elle passe par l’entraide et la ruse, par des alliances qui se construisent à contre-courant. Dans les deux cas, l’œuvre rappelle que la dignité n’est pas abstraite : elle se joue dans des détails. Un repas partagé quand il n’y a presque plus rien, un geste de protection dans un couloir, une parole donnée et tenue. 🧷

Pour concrétiser ces correspondances, voici quelques parallèles parlants (sans confondre les œuvres) :

• 🤝 Communauté : dans les deux récits, les amis et alliés empêchent la solitude de devenir un piège.
• 🧠 Regard social : pression des normes (morales ou médicales) et nécessité de reprendre la main sur son histoire.
• 🕰️ Temps qui presse : urgence économique dans le Mississippi, urgence existentielle à Los Angeles.
• 🧵 Transmission : apprendre à vivre “avec” la perte (film) ou “malgré” l’injustice (roman).
• 🔥 Courage discret : pas de grands discours, mais des actes répétés qui finissent par déplacer le réel.

Dans une perspective culturelle, ce jeu d’échos explique aussi pourquoi, en 2026, le public se montre friand d’adaptations et de récits croisés. Les œuvres circulent d’un médium à l’autre, et les lecteurs comme les spectateurs cherchent moins une fidélité “mot à mot” qu’une fidélité de tempérament. Le Calamity Club séduit par son souffle de saga et ses rebondissements ; In Waves bouleverse par sa délicatesse et son sens du moment. Deux manières de rappeler que la douleur n’empêche pas l’élan, et que l’élan, parfois, est une forme de justice rendue aux vivants.

Ce détour par la littérature met en relief un dernier point crucial : la création comme outil de traversée. Qu’il s’agisse d’écrire une saga sociale ou de dessiner un amour perdu, une même question demeure, insistante : l’art peut-il servir de thérapie, ou du moins de boussole ?

L’art comme réparation : de In Waves à d’autres récits de deuil et de reconstruction

Dans In Waves, la création n’est jamais présentée comme une baguette magique. Elle ressemble plutôt à une discipline, proche d’un entraînement : revenir au dessin même quand l’envie manque, trouver une forme quand les mots se dérobent, accepter que l’œuvre ne “remplace” personne. Ce positionnement est précieux, car il rejoint une tendance culturelle forte : raconter la réparation sans promettre l’effacement de la douleur. Le film met en scène cette vérité avec un symbole simple, le carnet, qui circule comme un objet transitionnel. Il ne sert pas à figer Kristen dans une image parfaite ; il permet à AJ de continuer à lui parler, autrement, et de se parler à lui-même avec plus de douceur.

Cette idée résonne avec d’autres films récents centrés sur la reconstruction. Un exemple marquant se trouve dans un drame européen adapté d’un récit autobiographique : une femme y affronte la perte brutale de sa famille et se reconstruit en s’appuyant sur une pratique artistique, le clown. L’approche est instructive : le clown n’y est pas un masque pour fuir, mais une école de vérité. Apprendre à tomber, à rater, à transformer une maladresse en présence, c’est déjà apprendre à survivre. Là où In Waves travaille la mémoire par la couleur et le mouvement, ce type de récit travaille la douleur par le corps, le rythme, la scène. Les deux rappellent la même loi : la réparation s’obtient rarement par une révélation, presque toujours par une répétition.

Le parallèle éclaire aussi un point souvent mal compris : l’art “thérapeutique” n’est pas forcément l’art “joyeux”. Une scène peut être lumineuse et pourtant traversée d’une tristesse profonde, parce que la lumière est précisément ce qui manque. À l’inverse, une scène sombre peut être rassurante, parce qu’elle autorise enfin à nommer ce qui fait peur. In Waves maîtrise ce balancement. On y voit des instants où le rire surgit au pire moment, non comme une indécence, mais comme une réaction humaine. 😂

Pour illustrer cette mécanique de reconstruction, un mini-cas concret aide à comprendre l’effet du film sur un public large. Imaginons Lina, étudiante en école d’art à Marseille, qui accompagne un proche malade. Elle va voir In Waves par curiosité esthétique, attirée par la réputation des scènes de surf. Elle en ressort avec un détail qui la suit : la manière dont le film montre les amis, parfois impuissants, mais présents. Le lendemain, Lina ne “résout” rien, évidemment. En revanche, elle change une chose : elle propose une activité simple, un après-midi au bord de l’eau, sans programme. Ce déplacement minuscule est exactement ce que le film sait déclencher : non pas une leçon, mais un geste possible.

Quelques points importants méritent d’être soulignés pour comprendre pourquoi ce type d’œuvre touche un public au-delà des amateurs d’animation :

1. 🧭 Un cadre sensible : le surf et la mer donnent un espace de respiration à un récit difficile.
2. 🎨 Une esthétique signifiante : la beauté n’est pas décorative, elle sert la compréhension émotionnelle.
3. 🤲 Une morale sans morale : rien n’est asséné, tout est montré dans les détails.
4. 🧩 Une place au spectateur : chacun peut projeter sa propre histoire sans se sentir manipulé.
5. 🔥 Un élan vital : la douleur est là, mais la vie reprend sa place, scène après scène.

Au fond, In Waves ne parle pas seulement de la maladie ou du deuil. Il parle de ce qui reste quand tout tremble : les liens, les souvenirs, et la capacité à créer du sens à partir de fragments. C’est cette idée, simple et exigeante, qui continue de résonner longtemps après la séance.

Nicolas Thomas

Ancien plumitif de plusieurs magazines spécialisés en glisse, Nicolas Thomas a fondé Actu Surf en 2024 pour proposer un média indépendant, sincère et exigeant. Quinze ans à arpenter les line-ups français et les rédactions parisiennes lui ont laissé une conviction simple : on ne ment pas à des surfeurs. Le marketing des marques n’a pas sa place ici. Les tests matos sont menés en mer, sur plusieurs sessions, sans complaisance. Les portraits sont écrits après plusieurs rencontres, jamais sur fiche presse. L’actualité est vérifiée avant publication.